EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA

 

EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA Es una parodia de la condición humana y su reacción ante lo inesperado. Pudiera parecer absurda, pero no lo es…
© Film i Väst/ BBC Films/ 30 West/ Sveriges Television/Coproduction Office/ ZDF/ Arte Franco Cinéma/ Türkiye Radio Televizyon/ NordiskFilm/ Canal+/ Cine+

EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA/ TRIANGLE OF SADNESS (Dir. Ruben Östlund. Suecia/ Alemania/ GB/ Fra/ EE.UU./ Grecia/ Turquía/ Dinamarca/ México. 2022).

Ovacionada y merecedora de la Palma de Oro en Cannes, además de muy impactante y con todo el humor negro del mundo es una producción multinacional (hasta México participó) y es i-m-p-e-r-d-i-b-l-e, sobre todo porque también ganó en 4 categorías de lo mejor de los Premios del Cine Europeo: Película, director, guionista y actor,  Zlatko Buric. Por si fuera poco, además está nominada al Óscar como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original .


SINOPSIS

Provenientes del mundo del modelaje y los influencers, una pareja de jóvenes hermosos y medio descocados son invitados a un crucero de lujo con varios millonarios rarísimos y más caprichosos que las estrellas de rock o de Hollywood. Hay momentos hilarantes y llenos de ironía, como la escena de los espaguetis de Yaya, la celebridad cibernética, una mujer de belleza espectacular que vive de su imagen extraordinariamente glamorosa. La cotidianeidad del lujo y los mimos continúa. Pero algo terrible se avecina mientras la embarcación navega por un mar apacible y los pasajeros disfrutan de todo aquello a lo que están acostumbrados, hasta los detalles más nimios y absurdos. Ese helicóptero que llega para entregar un pedido de lo que menos nos imaginamos ꟷsemejante parodia es de no creerseꟷ es el inicio de todo lo disparatado y delirante que pueden ser algunas personas, cuya personalidad esté hipertrofiada por la megalomanía del ego envuelto en el poderoso, y frágil a la vez, capullo del dinero y del poder.

Los que pudieran parecer las personas más dañadas, Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), en realidad son los más bellos y sexy a bordo, pero pronto se verán eclipsados y avasallados por la locura de todos los demás. Nadie se salva, ni los tripulantes mismos; la conducta del capitán (Woody Harrelson) es absolutamente inesperada y divertida, toda una sorpresa increíble y deliciosa.

Por otro lado, se incluye una de las secuencias más escatológicas jamás filmadas. Forma parte de una reacción absolutamente natural al mareo; no obstante, para muchos resulta excesiva e innecesaria, pero ese es el verdadero prolegómeno de la miserable porquería que todos están a punto de vivir.

CONCLUSIÓN

La vida es una rueda de la fortuna, a veces se está arriba y a veces abajo, pero cuando un genio como Östlund la escribe y la lleva a la pantalla la cuestión se torna una obra maestra. Una de esas que sin querer se vuelven una película fenomenal, tanto por la premisa como por sus valores artísticos y técnicos, que para nada son pretenciosos sino todo lo contrario: son bastante naturales para quien sabe bien su oficio. Seguramente habrá que volverla a ver para apreciarla en toda su magnitud, porque la primera vez se queda uno anonadado de semejante  estudio satírico de la naturaleza humana en situaciones límite.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

TÁR

 

TÁR Es otro monumento a la pasión que lleva a los artistas de verdad a los límites mismos del éxtasis, pero también de la locura. Miss Blanchet se llevará el Óscar, otra vez... © Standard Film Company/ EMJAG Productions/ Universal Pictures / Focus Features/ UIP Duna

TÁR (Dir. Todd Field. Alemania/ EE.UU., 2022).

Rodada en un Berlín frío, gris y hórrido, es la historia de una directora de orquesta en la cumbre de su fama que prepara la grabación de la 5a. Sinfonía de Mahler como la culminación de su carrera musical. El argumento nos muestra su desempeño en el podium blandiendo la batuta, pero también su vida familiar, en suma: sabremos sus problemas como artista y como madre de familia, como pareja y como la mujer que al final del día es sólo eso, una mujer... con todos sus errores y sus aciertos.

La innenarrable Cate Blanchet, ya oscareada previamente (recordad El aviador de Martin Scorsese, 2005 y Blue Jasmine de Woody Allen, 2014) le da vida a otra fulana descolocada, casi loca y que jamás sonríe porque tiene "cara de vinagre", con esa fuerza histriónica que la caracteriza. Honestamente no le quedan otro tipo de papeles, porque su estilo, su mirada y su eterno rictus no le permiten más que eso, hacer gala de su enorme talento para retratar seres al borde del abismo. 

Es absolutamente obvio —porque bien sabemos qué, y a quiénes, prefiere la Academia de Hollywood—, que ella le quitará el Óscar de las manos a Ana de Armas (magnífica en Blonde de Andrew Dominik, y por supuesto mi favorita aunque pierda). Ya reseñamos Blonde el año pasado, por si gustan remitirse al texto.

Honestamente, he de confesar que la película es densa, insoportable, y que todo el tiempo nos mantiene en suspenso porque el derrumbe de Lydia Tár —con esas camisas grises como a mí me gustan, y sus espléndidos trajes a la medida— es absolutamente predecible. Pues ninguna persona es capaz de manejar tantos triunfos y tanta gloria, mucho menos si es artista. ¿Cómo podría escapar alguien de semejante cliché...?

Sin embargo, su pasión por la música le dará a la directora el impulso suficiente, y bastante sobrado diríamos, que la mantendrá a flote a pesar de todos los obstáculos. Pues "Una vez artista, para siempre artista."

Para nada un divertimento, esta película no se la puede uno perder. Porque después de todo, los fragmentos de la interpretación de Mahler y todos sus demás valores le otorgaron las otras 5 nominaciones al Óscar: Mejor Película, Mejor Director (Todd Field además la escribió), Mejor Guión Original (Field también por supuesto), Mejor Fotografía y Mejor Edición.

Por admirar a la Blanchet y todo lo demás, bien vale la pena verla.

¡Corte y queda...!

MarcH de Malcriado

  

LA BALLENA / THE WHALE

 

LA BALLENA Es una analogía alegórica del cetáceo más fabuloso del mundo que a pesar de vivir en las inmensidades del océano se encuentra atrapado por su propia naturaleza al igual que el hombre en el cosmos. © Protozoa Pictures/ A24/ ADS Service

LA BALLENA / THE WHALE (EE.UU., 2022. Dir. Darren Aronofsky).

El laureado Aronofsky es bien conocido por sus asombrosas e inquietantes películas, o más bien bastante incómodas ꟷrecordad Réquiem por un sueño (2000) y El cisne negro (2010)ꟷ, que se sumergen en las miserias humanas a la vez que se elevan a sus cumbres más fulgurantes. Esta vez nos presenta el horror de vivir en esos atrapamientos de la desolación que rayan en lo patológico. Ninguno de los personajes que aparecen en pantalla se salva, en distintas gradaciones por supuesto. Hay un sexto personaje que es quien con su acto final ha desatado semejante inferno, aunque nunca lo veremos, por referencias sabemos que es directamente él quien los arrastró a esos límites de la locura.

SINOPSIS

 

Charlie (Brendan Fraser), un severamente obeso catedrático pone a sus alumnos universitarios a escribir ensayos sobre literatura, pero no permite que su imagen aparezca en la pantalla de sus videoconferencias, pues su obesidad mórbida lo acompleja terriblemente. Además, apenas puede moverse para cumplir con sus necesidades más básicas. Aunque es bastante solitario tiene a Liz (Hong Chau, nominada al Óscar por Mejor Actriz de Reparto) una enfermera que lo visita regularmente para cuidarlo y hacerle compañía. 

Como si la enfermedad y la desolación de este pobre hombre no fueran suficientes un día llega su monstruosa hija adolescente para torturarlo aun más al reclamarle y condenarlo por haberla abandonado, porque su resentimiento es tanto que necesita castigarlo a él ꟷy al mundo enteroꟷ. Ella, al darse cuenta de la vulnerabilidad de su padre se ensaña mucho más y le hace patente no sólo su asco y su desprecio, sino también su repulsión. Al mismo tiempo llega un joven predicador del Evangelio y entonces la “apacible” vida de Charlie se vuelve un maremágnum que no por ser doméstico es menos letal.

DE LOS ARTISTAS

El director Darren Aronofsky, con sus emplazamientos de cámara, la iluminación y su excelente dirección de actores, hace alarde de su genialidad al poner en pantalla una historia profundamente conmovedora, que sin sentimentalismos de fórmula ni chantajes emocionales nos lleva al mero vórtice de la naturaleza humana, con todo lo deslumbrante y lo espantosa que es.

   

Sin embargo, y a pesar de todos los horrores, Ellie (Sadie Sink), la hijita endemoniada ꟷo el peor de los monstruosꟷ, resulta que en el fondo esconde una inteligencia, una belleza y un talento infinitos, pero ella no lo sabrá hasta que... bueno, mejor véanla.  La sorpresa, y el total sarcasmo, es que todo eso lo heredado de su tan odiado padre…

Me permito, como siempre, hacer un contraste: Al igual que en la mismísima obra de Thomas Mann, Muerte en Venecia (Luchino Visconti, 1971) ꟷsi pueden también lean el libroꟷ, un hombre muere extasiado cuando por fin descubre frente a sí, y sólo para él, el tan anhelado summum de la belleza.

Es completamente cierto. Pues hay hombres que persiguen la belleza, y lo hacen porque son artistas, porque buscan la experiencia estética como parte de su Ser divino, para acompletarse. Lo inenarrable aparece cuando descubren la divinidad en el otro y entonces la apoteosis los arrebata a los dos.

Absolutamente maravillosa, aunque terrible y claustrofóbica (es de Aronofsky, acuérdense), esta es una pieza que nadie puede perderse, sobre todo porque Brandon Fraser, otrora sex-symbol de Hollywood, ya consiguió el Globo de Oro por su exquisita y asombrosa actuación; y obviamente puedo asegurarles que el Óscar lo espera, no cabe la menor duda…

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

MI POLICÍA / MY POLICEMAN

MY POLICEMAN Se ubica en la Inglaterra de los 50's, cuando ser gay estaba prohibido y eso le desgraciaba la vida a muchísima gente. © Berlanti-Schechter Films / Independent Film Company MGC

 

MI POLICÍA / MY POLICEMAN (G.B., EE.UU., 2022, Dir. Michael Grandage).  Aunque ha participado en otros filmes Harry Styles ―ya lo habíamos visto como soldado inglés en la brutal Dunkirk (Christopher Nolan, 2017)―; ahora nos deja de boca abierta, por si fuera poco, porque triunfa en una película muy bella que se llama Mi policía. ¿Ya la vieron…?

Para que se animen a hacerlo les cuento: El argumento va muy en una línea harto parecida a Su otro amor / Making Love (EE.UU., Arthur Hiller, 1982), a Three / Drei (Alemania. Tom Tikwer, 2010) y otras de tema similar. Las 2 que aquí cito, tanto la alemana cuanto la gringa, en su momento dejaron heladas a muchas mujeres que son novias o esposas porque describen los tríos de la novia (que no sabe, sospecha o se hace la loca), el novio y el novio del novio. Nada del otro mundo, y así más así menos.

La deliciosa My Policeman se ubica en la England de finales de los años de 1950, cuando la homosexualidad todavía era perseguida y muy castigada por los prejuiciosos y mojigatos súbditos de la reina. ¡Ah pero eso sí…!, irónicamente, los jueces y abogados iban a la corte muy bien ataviados con sus vestidotes largos negros y sus pelucotas platinadas… de seguro todavía es así (lo del atuendo).

Una joven e inocente profesora llamada Marion (Emma Corrin) se enamora de Tom (Harry Styles), que es un sencillo pero apuesto policía; ambos tienen como amigo al sofisticado curador Patrick (David Dawson) que los sumerge en el mundo del arte y les abre mundos que los dejan fascinados. La narrativa es de un ritmo suave, como el mar de la costa de Sussex, sin los alardes efectistas de las súper producciones. No hay mucha acción ni Fx; los eventos, inclusive los más ardientes, son iluminados, musicalizados y retratados con una gran exquisitez. La acción es más que nada interna, pero no por eso es menos interesante y luce magnífica porque el director tiene en sus manos un guión muy valioso basado en la novela de la escritora inglesa Bethan Roberts (ya leí con gusto el primer capítulo del libro que presiento que estará sensacional), a 3 extraordinarios jóvenes actores y a otros 3 sublimes veteranos.

Muy bien que está Linus Roache en su personaje de vejete terco, rebelde y antipático, pero Ruppert Everett y Gina McKee están de premio; en suma, con pocos diálogos los 6 histriones lo dicen siempre todo con ese juego increíble de miradas…

La penúltima secuencia final (en la que el filme debió cerrar), que no la final, gracias a la perspectiva y composición del fotógrafo es asombrosamente bella, emotiva y delicadamente apoteósica, como los ancianos que retrataba el pintor español José de Ribera.

Si se atreven véanla, porque es de lo mejor que hay en streaming últimamente.

Colofón:

Quizás en unos cuantos años del Styles cantante ya no quedará mucho, ¿o sí?, pero su huella permanecerá y será imitada, y tal vez hasta superada, por otras rock y pop superstars, que como siempre irrumpen con nuevas visiones y energías y que se alimentan de los paradigmas impuestos por sus predecesores y además arrasan.

Así Prince y Michael Jackson con todo y todo y sin haber dejado de ser grandiosos, hoy día, e irónicamente, nos parecen mesurados y bastante tímidos.

No obstante, mi conclusión sería que si Harry Styles sigue escogiendo los mejores papeles y actuando tan maravillosamente bien le auguro una larga y exitosa vida histriónica que lo consagraría como un artista genial. ¡Cuidado Robert Pattinson…!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

PINOCHO

PINOCHO Es una bella y conmovedora historia sobre los valores, la educación y el amor. De nuevo Guillermo del Toro logra "apantallarnos" con su más reciente entrega. © ShadowMachine/ The Jim Henson Company/ Netflix Animation/ Doble Dare You

PINOCHO / GUILLERMO DEL TORO'S PINOCCHIO (EE.UU., 2022. Dir. Guillermo del Toro y Mark Gustafson).

La versión stop-motion de la no muy para niños Pinocho puede resultar un tanto extraña o grotesca al principio, pues los referentes del muñeco de madera de las conocidas versiones clásicas son los de un muñequito muy lindo y colorido. En esta ocasión no es así, Pinocho, si se pudiera decir, como fábula es más realista ―y hasta ligera y delicadamente cruel también―. Este espantajo Pinocho está bastante feíto en comparación con sus antecesores; pero pasado el mini impacto de los primeros minutos uno se acostumbra; el pelele termina por gustarnos y la trama fluye sin mayor problema.

En plena Italia fascista la ausencia de un niño consume de tristeza a un viejo carpintero que también fabrica esculturas y juguetes. Como es bien sabido, la magia de un ente sobrenatural le otorga vida a la marioneta de su creación para darle alegría y felicidad a ese dulce viejecito llamado Geppetto. Lógicamente, en un principio Pinocho es completamente irracional e ignorante, hasta de aquellas cuestiones más elementales; y como todo "niño" se la pasa preguntando, descubriendo  y aprendiendo hasta las cosas más sencillas. El inicio del conflicto es su gran ingenuidad. Así el engaño de que es objeto por un codicioso y perverso empresario circense que ve en el muñequito parlante una mina de oro, resulta cosa harto fácil. La trama no necesita mayor sinopsis, porque todo el mundo la conoce. Ya se sabe, la marioneta a la que le crece la nariz cada vez que miente es muy chistosa. Está de más decir que las aventuras que vienen a continuación son trepidantes y muy vertiginosas.

El concepto es el adecuado para narrar una magistral historia de amor paterno que todo lo sufre y todo lo puede. Nos recordó a Papá Goriot de Honorato de Balzac, que es una de las historias más bellas de la literatura clásica, si pudieran leerla les aseguro que no se arrepentirán. Pues el valor del padre, a pesar de la deidificación o sacralización de su contraparte, la figura de la madre, en el arte y en general ―y en todas las civilizaciones― no puede, no debe ser minimizado ni soslayado jamás. Es usualmente el padre quien transmite, entre otras cosas no menos importantes, la disciplina y los valores a los hijos. Más que un cuento Pinocho es una apología y una  sorprendente reivindicación del amor masculino por su progenie, sea ésta como fuere. 

La fantasía también puede contener elevadas dosis de maldad y perversión, y no puede excluirla porque representa una versión idealizada y fabulosa de la realidad. La figura de Pinocho representa a un niño “raro”. Pero contiene una lección que nos remite a la aceptación que debe tener hoy en día cualquier niño, joven o inclusive un adulto, que se salga de los parámetros de lo “normal” o lo heteronormado, pues no solamente se trata de un asunto de tolerancia, sino de respeto y aprobación e inclusive de inclusión y de amor. No es que sea una película de temática gay en absoluto, pero hasta cierto punto la abarca porque la manera en que aquí se plantea el cuento puede ser interpretada como una analogía o parábola sobre la “diferencia” debido a que el “niño de madera”, en eso estriba su “rareza”, será objeto de abuso y agresiones o bullying, como ahora se le denomina a la violencia en todas sus gradaciones, desde la más sencilla, la llamada pasivo-agresiva, hasta la más violenta y criminal. Por otro lado, la película también toca otro tema difícil, pero de una manera exquisita: la aceptación de la muerte.

La técnica del stop-motion ha sido llevada hasta la perfección por un maestro de la creación de universos fantásticos, el cineasta mexicano Guillermo del Toro. Su genialidad ya ha sido mundialmente reconocida en el mundo entero durante lustros, y para coronar su gloria su fantástica Pinocho ha sido nominada a un Óscar como Mejor Película Animada. La verdad sí que la tiene fácil para los “Oscars95” ―del próximo 12 de marzo―, pues la fuerza desoladora de varios momentos y la disruptiva belleza de sus imágenes le permiten llegar hasta el fondo mismo del corazón de quien la vea.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

AVATAR: EL CAMINO DEL AGUA

 

AVATAR: EL CAMINO DEL AGUA La animación más fantástica de los últimos tiempos en una película bellísima que habla del amor que mueve a todos los mundos posibles.
© 20th Century Studios / Lightstorm Entertainment / Walt Disney Studios Motion Pictures

AVATAR: EL CAMINO DEL AGUA / AVATAR: THE WAY OF WATER (EE.UU., 2022, Dir. James Cameron).

Otra vez James Cameron hace gala de su genialidad con esta entrega que resulta una delicia visual perfecta. Ya no es tan recargada como su antecesora del 2009, en la que el no saber qué ver en la enorme pantalla de las salas la hacía lucir muy estridente, abrumadora y visualmente barroca. En esta ocasión inclusive, se torna en una experiencia estética de grandes valores artísticos.

El argumento es bastante fuerte y terriblemente verosímil, pues a la vez que muestra actos de amor llevados a niveles heroicos,  por el otro está la gran perversidad de los que magnificados sus deseos de venganza y su avaricia por conseguir Amrita, el elemento secreto de la "eterna juventud" —no les diré en dónde se encuentra—, realizan actos abominables y  criminales. Así los villanos, los terrícolas,  no dudarán de realizar su invasión, que conlleva  destrucción y saqueo de la paradisíaca naturaleza del planeta Pandora; por supuesto matando a los seres vivos de un ecosistema perfecto, virgen y lleno de recursos y tesoros.

Los personajes que están del lado del bien lógicamente  son muchos  más, pero los malvados aunque pocos son realmente de temer porque cuentan con los recursos tecnológicos que las civilizaciones invasoras desarrollan para apoderarse de todo lo que no les pertenece. Todo con tal de someter y conquistar. ¿Les suena conocido?

  
Sin embargo, esta fantasía acuática de animación tal vez sea un poco larga, 3 horas con 12 minutos, así que si van a verla al cine háganse un favor y no beban muchos líquidos antes o durante la función; los adultos mayores debemos comer más palomitas y tomar mucho menos refresco, porque eso de tener que pararse a las dos horas para ir al toilette puede resultar incómodo.

La magia de la 3D digital convierte al filme en algo todavía más monumental. De veras que vale la pena.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

BARDO

 

BARDO Ésta es una película metafísica, una primorosa poesía épica ambientada en el infierno. Por sus características de factura técnica hay que ir a verla al cine, para poder apreciar toda su gloria.

© Estudios Churubusco/ Netflix

BARDO: FALSA CRÓNICA DE UNAS CUANTAS VERDADES  (México, 2022. Dir. Alejandro González Iñárritu).

Durante 174 minutos un periodista o moderno bardo (el que contaba hazañas épicas en la antigüedad) nos narra su vida —a veces de manera onírica— con sus triunfos, fracasos y demás aventuras cuando regresa a México después de 20 años de vivir en Estados Unidos, una sociedad a la que irónicamente termina detestando. Él como todo un profesional de la noticia emigra al país del norte en busca de mejores oportunidades. En una realidad paralela retoma el drama de los que también hacen lo mismo pero en condiciones de desesperada necesidad de supervivencia, los inmigrantes ilegales que tanto sufren, de los cuales muchos mueren en el intento. Esa anécdota fantástica de los que se decía habían sido abducidos en la cumbre de la montaña por la Virgen de San Juan de los Lagos es la síntesis de mucha de la idiosincracia de nuestro católico pueblo latinoamericano. Además, en boca de Silverio Gama (Daniel Giménez Cacho) hay una gran abundancia de frases para recordar.

Directa y sin complacencias denuncia las miserias humanas, las sociales y las económicas de una civilización decadente a través de los ojos de un agudo crítico de la terrible realidad. Estados Unidos y México están entrelazados económicamente, pero no solamente en las actividades comerciales y empresariales legales, sino también en las ilegales y en las criminales.

En la blanca espuma del glamour de los tratados de libre comercio, los intercambios culturales y la marabunta turística en ambos sentidos, subyace el mundo del contrabando de armas y el narcotráfico que les “surte” las drogas a 50 millones de adictos norteamericanos que las consumen en una escalada que parece no tener fin. Paradójicamente, el mundo sólo culpa a los más débiles, a los vencidos, pues los triunfadores aunque rezumen avaricia y sustancias tóxicas e hipertóxicas se asumen como las víctimas de los nefastos que los proveen. 

Nuestra Sor Juana Inés de la Cruz ya lo escribiría  sabiamente hace más de 3 siglos: “… sin razón, sin saber que sois la ocasión de lo mismo que culpáis.”

Una película aguda, lacerante, dolorosa, ácida, irreverente, atrevida, ecléctica, que denuncia brutalmente los crímenes cósmicos de la sinrazón humana con todo su egoísmo, vanidad y soberbia. En un momento delirante, de los muchos que contiene, dice que los mexicanos nos somos indios ni españoles sino unos verdaderos “hijos de la chingada”. Recordad ese monumental El laberinto de la soledad de nuestro Premio Nóbel de Literatura, el inenarrable Octavio Paz.

La obra es verdaderamente épica, pero a la vez es intimista, una absoluta epopeya que deviene en la observación microscópica de las verdades nacionales; me atrevería a decir que es, en versión cine, una especie de La región más transparente de otro de nuestros genios mexicanos: Carlos Fuentes.

Los referentes pueden ser muchos, según la visión y experiencias literarias y cinematográficas de cada quien. Por supuesto cuando fuimos a verla en la sala de cine increíblemente sólo estábamos 8 espectadores, porque no es Güácalanda, perdón Wakanda…

Es una maravilla que un director mexicano tenga ya el suficiente nombre y prestigio como para que Netflix no tuviera reparos en concederle un presupuesto archimillonario para que hiciera una película de autor, es decir: nada de encargos y fórmulas de éxito probadas para audiencias muy poco exigentes. No, ésta es una producción única, con tintes brechtianos, fellinianos, exagerados, polisémicos y estridentes, que a la vez contiene secuencias de una belleza poética que nos remiten a la creación y al amor desde la visión que únicamente los artistas de verdad pueden expresar.

Seguramente regresaré al cine a verla otra vez, antes de que la quiten de la cartelera para exhibirla en ese todo-streaming que es Netflix, donde por razones de tamaños de pantallas y calidad del audio perderá la mitad de su magia. Sería patético y absurdo verla en una PC, tablet o en el telefonito celular, pero ¿qué remedio...?

El argumento, la dirección, la fotografía de Darius Khondji, la mezcla de sonido y el diseño de producción son realmente impactantes. 

BARDO El 5 veces "Arielado" actor Daniel Giménez Cacho otra vez nos ofrece su fabulosa calidad histriónica "bordando" a su personaje. ¡Le damos, otra vez, una ovación de pie...!  © Estudios Churubusco/ Netflix

A pesar de que en el 2023 representará a México en los Óscares y en los Goya (de España) como mejor película extranjera, esta entrega de G. Iñárritu ya ha sido acremente despedazada, descalificada y tachada por algunos miembros de la "crítica especializada" como esperpéntica, pretenciosa e ininteligible. 

Pero a nosotros nos pareció todo lo contrario. Bardo es una verdadera poiesis, porque es una gran obra, inspiradísima y ambiciosa por supuesto, de única belleza y crueldad, fantasmagórica, ¡todo allí es absoluta y fascinantemente metafísico…!

Por favor, y si pueden, vayan a verla al cine, pues se debe observar, disfrutar y sufrir de manera silenciosa y de un solo jalón a oscuras para que la hipnosis y la emoción se puedan desbordar plenamente; como debe ser, en el templo de los dioses de la mentira, que finalmente no lo es…

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado