LA MUJER MURCIÉLAGO

LA MUJER MURCIÉLAGO La contraparte de la Batichica gringa. Ésta sí que era una bomba sexy que podía con todos... © Cinematográfica Calderón

LA MUJER MURCIÉLAGO (Dir. René Cardona. México, 1968).

SINOPSIS
Desde el laboratorio de su barco “Reptilicus”, anclado en la bahía de Acapulco, un científico loco, el Dr. Eric Williams (Roberto Cañedo), con su fiel ayudante Igor (Jorge Mondragón), experimenta en la creación de un hombre-pez para replicarlo por miles y así dominar al mundo. Para tal fin necesitan la glándula pineal de hombres sanos y fuertes, como los luchadores. Los cadáveres aparecen flotando en la playa. Para esclarecer los crímenes la policía porteña solicita la colaboración de la Mujer Murciélago (la despampanante Maura Monti).

ANÁLISIS
El concepto de la heroína súper sexy ataviada con su máscara con orejitas, su capita, sus botitas y obviamente su revelador bikini encontró en Maura Monti un monumento de belleza, valentía, audacia, seducción y todo lo demás que declara el afiche. Además de los ya señalados el reparto es de lujo: David Silva, Armando Silvestre, Crox Alvarado y Héctor Godoy. Por si fuera poco, hay muchas secuencias submarinas de Genaro Hurtado bastante interesantes y a la vez algunas involuntariamente chuscas. Pero quien sobresale es “Piscis”, el monstruo marino que lo mismo puede atacar bajo el mar que en tierra. 

Dicen que esta película le gusta mucho a Guillermo del Toro, y creo que sí, porque en La forma del agua (del Toro, 2017) retoma la figura del monstruo marino. Entre varias de estas míticas figuras la más memorable es aquella de El monstruo de la laguna negra (Jack Arnold, 1954).

La primera vez que vi a Maura Monti en pantalla fue en el cine Variedades de Tampico, la película se llama S.O.S. Conspiración bikini (René Cardona, 1967), en la que la Monti canta una versión en español de Venecia sin ti que me dejó absolutamente enamorado de ella para siempre. Su carrera en el cine fue muy corta pero muy brillante, porque además de bellísima y fotogénica era muy buena actriz.  

BATWOMAN/ LA MUJER MURCIÉLAGO El póster italiano en el que los nombres de los actores fueron cambiados para ese público. Una joya de afiche y de película, por supuesto. © Cinematográfica Calderón

CRÍTICA
La aventura “A colores” de La mujer murciélago es un maravilloso churro que remasterizado y visto en la pantalla, a 56 años de distancia de su estreno, resulta una cinta de semiculto, divertida y muy graciosa por lo ingenua. Filmada en un Acapulco todavía bastante incipiente como resort internacional, sin los grandes hoteles que llegarían hasta bien entrados los años de 1970, contiene panorámicas irrepetibles de una Bahía de Santa Lucía casi virgen. Seguramente en su momento tuvo el éxito que tenían todas las películas de luchadores tan populares. 

Después de todo, hay que valorar que a pesar de los escasos presupuestos asignados a este tipo de producciones los resultados no eran tan malos, y en muchos casos eran buenos y hasta excelsos. Mucho se debe al gran amor que tenían, y siguen teniendo, los cine-realizadores, los trabajadores del STIC (Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica) y los artistas mexicanos por la cinematografía nacional, que en México desde siempre se ha enfrentado a obstáculos y crisis de toda índole. ¡Amo el cine mexicano!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

MAXXXINE

 

MAXXXINE Una porno-princesa quiere triunfar en Hollywood, pero un asesino la acecha. © A24/ Little Lamb/ Mad Solar/ Focus Features/ Universal Pictures

MAXXXINE (Dir. Ti West, EE.UU., 2024).

Después de los créditos de inicio aparece el siguiente epígrafe: “En esta industria hasta que no te conocen como un monstruo no eres una estrella.” Bette Davis.

Maxxxine es un filme slasher con grandiosos fragmentos bastante gore. Estelarizada (y producida) por Mia Goth, tiene un reparto de primera: Kevin Bacon, Elizabeth Debicki (The Great Gatsby, The Crown), Giancarlo Esposito (Gus de Breakin Bad) y otros.

SINOPSIS
En el lado sexy de la historia vemos a la rubia Maxine Minx (Mia Goth) como una exitosa y muy conocida actriz en el circuito del porno que aspira a trabajar en la industria de Hollywood para llegar a ser una celebridad de verdad porque ya tiene 33 años y otras “porno-muñecas” mucho más jóvenes ya le vienen pisando los talones. Mientras su oportunidad llega sigue grabando lo que sabe hacer muy bien y además se presenta en locales de peep-show. La secuencia en la que la vemos exponerse sexualmente en esa sala es muy representativa de la maravillosa sordidez de esos lugares.

El lado oscuro es que sus amigas comienzan a aparecer muertas y la psicosis del “acosador de Hollywood” cunde por todo Los Ángeles. La situación hiela la sangre y nos remite a aquellos hórridos videos porno llamados “snurf” (infames) que para nada eran actuados y que terminaban en crímenes de verdad que se grababan y distribuían de manera clandestina para gente degenerada con mucho dinero.

MAXXXINE El afiche para el mercado anglo que muestra claramente el género del filme. © A24/ Little Lamb/ Mad Solar/ Focus Features/ Universal Pictures

FACTURA TÉCNICA
La increíble recreación de la época incluye ese efecto de halo y la tonalidad en que se reproducía casi todo el material de video en VHS, que era el soporte en que se veía prácticamente todo el material audiovisual en esa década. El soundtrack nos trae también algunos éxitos del hit parade del momento.


CRÍTICA
Típico filme de horror (no mucho) y de suspenso policíaco de tintes gore tiene ciertas inconsistencias y asuntos mal resueltos, que sin embargo no demeritan en nada este gran divertimento. Es tan mala que finalmente resulta ser muy buena, porque está hecha con gran sentido del humor nostálgico y mucho amor por el cine, y eso se nota.

Las referencias a otras películas a veces es sutil pero a veces es muy evidente y en eso también radica lo divertido, porque sabemos que los amantes del género están acostumbrados a esos toques y lo esperan. De hecho, la persecución y corretiza en los estudios Universal tiene “saltos” de tiempo que son inverosímiles; me refiero a las distancias que hay entre ciertos lugares y la famosa casa en la colina usada en Psicosis/ Psycho (Hitchcock, 1960). Después de todo, esos detalles sólo los notamos quienes hayamos visitado alguna vez ese mítico estudio que ahora sólo es una atracción turística.

El final es de no creerse… ¡Me encantó y la voy a volver a ver…!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

SONRÍE 2

SONRÍE 2 El horror gore a su máximo, y además slasher. Visualmente es de altísimo impacto y con grandes valores técnicos y artísticos.
© Temple Hill Entertainment/ Paramount Pictures

SONRÍE 2/ SMILE 2 (Dir. Parker Finn, EE.UU., 2024).

SINOPSIS
La linda cantante de pop Skye Riley (Naomi Scott) —que se parece muchísimo a Miley Cyrus—, posee bastantes cualidades: gran talento, hermosa voz, presencia y amor por su oficio; así que es una gran figura idolatrada por la juventud. La adorable Skye está en la cúspide de la fama. Pero un mal día necesita un medicamento que le ayude a aminorar el dolor que padece en la espalda (igualito que Lady Gaga) provocado por un accidente del pasado y tiene que acudir a su antiguo traficante de drogas. Desafortunadamente, es poseída por un ente maligno en casa de ese ”amigo”. Muy pronto la pobre comienza a tener aterradoras alucinaciones que rayan en la esquizofrenia y ni su mamá ni los miembros del staff la entienden y cree volverse loca.


CRÍTICA
El suspenso y los sustos están muy bien manejados en esta película. Los hechos son tan vertiginosos que no le dejan al espectador momento de respiro, excepto en las apantallantes escenas de concierto. Ciertamente se disfrutan mucho las secuencias del espectáculo de primera que prepara la juvenil artista para su gira mundial, porque las escenografías, el vestuario y las coreografías son excepcionales. Gran punto a su favor.


En la trama no podían, ni debían faltar, todos clichés del género del horror estilo “slash”, cuchilladas con chorros de sangre, que aquí son magníficamente impactantes porque los movimientos de cámara, las tomas y la dirección son soberbias. No está por demás mencionar que los Fx y el montaje también.


Hablando de similitudes, cabe mencionar que sin afán de vender la trama se parece un poco a las excelentes: Arrástrame al infierno (Sam Raimi, 2009), a Está detrás de ti (David Robert Mitchell, 2014) y a otras que no voy a mencionar porque la lista sería muy larga. "De tal palo, tal astilla".


La protagonista, la señorita Scott es una gran actriz británica extraordinariamente fotogénica (de veras que sí) que yo no conocía, aunque ha hecho tv desde 2009 y películas desde el 2011; pero resulta que además es cantante y compositora, y los números de baile los ejecuta excelentemente bien. Su actuación es absolutamente asombrosa. 

SONRÍE 2 La sonrisa sardónica de Ray Nicholson es idónea para el filme, en algunos afiches es él quien aparece. Dice que así sonríe naturalmente.
© Temple Hill Entertainment/ Paramount Pictures

En un papel muy breve el actor Ray Nicholson brilla por su expresivo rostro y por esa acusada sonrisa tan extravagante, que heredó de su mítico padre Jack Nicholson. Así fue perfecta para el filme, tanto que en algunos afiches quien aparece es él. En entrevistas ya ha declarado que ésa es su sonrisa natural.

Las películas de este tipo de horror corporal nunca fueron de mis favoritas y usualmente las dejaba pasar. Sin embargo, en los últimos años he ido a ver una que otra y tengo que admitir que actualmente estas producciones son cada vez más rigurosas y perfectas en sus valores de realización, y a pesar de que los temas del cine de "espantos" son repetitivos y que casi siempre tienen el mismo origen (lo extremadamente patológico y sobrenatural), sus técnicas y la manera de ponerlas en pantalla son lo que hace las diferencias en cada filme, y que por lo general suelen ser intachables, cuando no son de serie “B”, claro.


Aunque también es de clase "A", si las contrastamos Sonríe 2 no tiene los mismos niveles de producción de It / Eso (Andrés Muschietti, 2017), para mi gusto la más horrorosa pero fastuosa y fabulosa de los últimos tiempos. No obstante es un gran divertimento que cumple con creces y supera por mucho las expectativas de los amantes del género (creo que yo también me estoy convirtiendo en uno), y para mi sorpresa terminó encantándome. No lo puedo creer… ¡Horror...!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

EL CONDE DE MONTECRISTO

 

EL CONDE DE MONTECRISTO Una superproducción francesa basada en la famosa novela clásica de Alejandro Dumas.
© Pathé/ Chapter 2/ M6 Films/ Constantin Film/ DeAPlaneta

EL CONDE DE MONTECRISTO/ LE COMTE DE MONTE-CRISTO (Dir. Alexandre de la Patellière, Francia, 2024).
Es la más reciente adaptación (hay muchas) de la extraordinaria novela de Alexander Dumas que narra las aventuras de un hombre de gran carácter y mejor temple en la Francia del siglo XIX. Comienza con las peripecias del joven e ingenuo Edmond Dantès, que de ser un sencillo marinero, termina por convertirse en todo un caballero, y de hecho, en el sofisticado y casi todopoderoso conde que alude el título.

El actor franco-belga que expresa todo con los ojos, Pierre Niney ꟷel inolvidable protagonista de Yves Saint Laurent (Jalil Lespert, 2014)ꟷ, como siempre, hace gala de una actuación digna de muchos premios. La puesta en pantalla recurre a muchas elipsis, eventos que suceden pero que el espectador no ve, a fin de sintetizar una larga y complicada historia que atraviesa unas dos décadas en tan sólo 178 minutos volviéndola un todo un deleite y muy fácil de entender. Sin embargo, ello no demerita para nada sus valores de producción, pues reproduce a la perfección toda la época napoleónica y post-napoleónica, con sus fastuosas locaciones ꟷpuertos, fragatas corsarias, palacios y castillosꟷ que incluyen hasta el más mínimo detalle. Por supuesto el vestuario, las escenografías y el attrezzo (utilería) son absolutamente exquisitos. Además, todo eso acompañado de un notable diseño de sonido, de música maravillosa y de efectos sonoros.

Así todos los personajes se mueven en preciosos escenarios naturales o diseñados ex profeso para ubicar la acción y el tiempo con una dirección de cámaras y fotografía de extraordinario nivel. El Conde de Montecristo es una producción absolutamente bien dirigida y por demás espectacular que nos mantuvo casi hipnotizados durante 3 horas.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

JOKER 2

JOKER 2 Gaga y Phoenix protagonizan esta historia de amor trágico. © DC Studios/ Warner Bros. Pictures

JOKER: Folie à Deux (Dir. Todd Phillips. EE.UU., 2024).

La magnifica producción se encargó de reproducir perfectamente el sórdido ambiente de la prisión de Gotham o "Ciudad Gótica" donde Arthur Fleck (el extraordinario y oscareado Joaquin Phoenix) se encuentra más solo y vulnerable que nunca por los crímenes de su alter ego, el Joker. Tanto que los fans llegamos a desear que muy pronto pudiera escaparse, porque nos compadecemos de Fleck y admiramos al Joker. Aunque tarde, cuando tal evento sucede el público nos ponemos felices, porque suponemos que entonces ya podrá hacer de las suyas junto a la transgresora Harley Quinn (Lady Gaga) y que ese tono tan triste y lóbrego cambiará a la malsana pero fulgurante transfiguración del antihéroe cínico, rebelde y criminal acompañado en sus espectaculares maldades de una peligrosa loca igual que él. La combinación prometía ser una verdadera bomba de sangre y venganza.

Las espantosas razones de la psicopatía del Joker lo justifican ante la totalidad del fandom o "comunidad fan", luego entonces no nos importa su potencial como asesino y nos ponemos de su lado, porque hubo circunstancias terribles que desde la niñez del atormentado Arthur lo volvieron así. Fleck es tan sólo el deforme producto de una sociedad que está mucho más patológica que él. Ésa fue la fascinación de la excelente película anterior, Joker (Todd Phillips, 2019).

Los códigos de Ética y todos los sistemas axiológicos (filosofía de los valores) no tienen cabida alguna en los argumentos de las películas basadas en los cómics del Joker, porque son universos fantásticos regidos por los super poderes, la mega maldad y los delirantes deseos de imponer la supremacía del bien o del mal.

Esperábamos ver una película sobre el fabuloso personaje del Joker, pero hemos salido totalmente decepcionados. En su lugar vimos la patética historia del pobre Arthur Fleck recluido en la cárcel y víctima de todos los horrores clásicos que retratan la cotidianeidad de los convictos. Por supuesto, al personaje central, que padece un profundo daño psicológico y además, psiquiátrico, el jurado lo declara culpable en el juicio.

La inclusión de los números musicales imaginarios de Arthur Fleck sirven para darle un poco de color a esta historia gris, desoladora y deprimente. Sin embargo, ni siquiera son bonitos, ni inspiradores ni nada. Son como un pegoste desangelado y mal hecho de La La Land (Damien Chazelle, 2016) y supusimos que dadas las probadas y premiadas virtudes de Gaga como actriz y cantante su presencia iluminaría más efectivamente este bodrio esperpéntico que desperdició la oportunidad de hacer de Joker 2 algo superior a su fabulosa antecesora. Ya lo reza el dicho “Nunca segundas partes fueron buenas”, pero esta vez semejante refrán es absolutamente cierto y contundente, ¡lástima!

No me gustó sentir la terrible urgencia de ver por fin el letrero de "The End", o más bien que ya “me andaba” porque esta porquería de película se acabara. Pero para acabar con el cuadro el final me dejó horrorizado y con una sensación de vacío inenarrable.

¡Corte y quesque queda…!

MarcH de Malcriado

LA SUSTANCIA

 

LA SUSTANCIA Una alucinante fábula de horror sobre la vanidad y la cosificación del cuerpo femenino. © Working Title Films/ Blacksmith

LA SUSTANCIA / THE SUBSTANCE (Dir. Coralie Fargeat. Reino Unido y Francia, 2024).

Todos quisiéramos poder conseguir el secreto de la eterna juventud, inherente ilusión del ser humano; pero en el caso de las personas que pertenecen al mundo del espectáculo la cuestión puede ir mucho más allá de una simple fantasía y volverse una obsesión compulsiva. Ellos capitalizan grandemente su belleza y juventud porque ésos son sus principales recursos, si es que tienen la suerte y la capacidad de llegar a pertenecer, y mantenerse, dentro de ese selecto y cerrado grupo de élite. Aunque allí el precio de los privilegios usualmente es muy caro, así le llaman: “El precio de la fama”. Tal es el concepto de donde parte la fábula de La sustancia.

Mucho se agradece la reaparición de la bellísima Demi Moore como Elisabeth Sparkle, una “otoñal” estrella de tan sólo 50 años. Aquí su belleza y su desempeño histriónico son muy notables. Desde Ghost: La sombra del amor (Jerry Zucker, 1990) y Una propuesta indecorosa (Adrian Lyne, 1993) Miss Moore no había dado otro gran “campanazo” en el cine. ¿Si la vieron en Striptease (Andrew Bergamn, 1996)? Porque curiosamente a partir de esa cinta ha sido acreedora de 3 Frambuesas de Oro (ella solita) en la categoría de Peor Actriz. En cambio, con esta producción de seguro estará nominada para un Óscar en 2025… Uno nunca sabe.

INTRODUCCIÓN

En las economías de consumo las leyes del mercado se rigen por la oferta y la demanda. La mujer, sobre todo la mujer joven y hermosa, tiene un gran valor en el mercado de la industria de la moda, la cosmética y el entretenimiento en general. A veces tienen talento y a veces no, pero eso a nadie le importa si lucen lo suficientemente atractivas y sexies. Pero desafortunadamente en la vida “Todo por servir se acaba” y las personas no somos la excepción, pues a todos nos llega la vejez. En esos ámbitos si la “figura mediática” en cuestión comienza a mostrar signos de decadencia física de inmediato se la sustituye por otra y ya. Las empresas nunca están dispuestas a perder y como la mercadotecnia se encarga de renovar, reposicionar el producto o lanzar otro nuevo, pues lo ya caduco simplemente es desechado. Si las ventas bajan la mercadotecnia se encargará de subirlas de nuevo.

La ironía es que la mujer desde siempre ha sido un objeto de deseo y por ende de consumo, primero en el arte y después en la industria, cualquiera que ésta sea. Aunque no tan dramáticamente la figura masculina, el hombre, también sigue en paralelo el mismo camino. Tan sólo recordad El artista (Michel Hazanavicius, 2012) con Jean Dujardin. Allí se cuenta la historia de un galán del cine mudo que deja de servirle a los estudios cuando llega el cine sonoro.

SINOPSIS

La legendaria estrella cinematográfica Elisabeth Sparkle, es ahora una cincuentona reina de los ejercicios aeróbicos o fitness en un programa de televisión. Un buen día se entera que va a ser despedida de la emisión “porque ya está vieja” y queda desolada. De un extraño modo se entera que hay una “sustancia” secreta que inyectada en el cuerpo le dará una mejor versión de sí misma. La referencia a la venta de ilusiones de la industria del cine, de la editorial ꟷléase revistas de modas con sus modelos irreales y “fotoshopeadas”ꟷ, de los cosméticos y de la farmacéutica es directa y frontal. Lo que sucede a continuación es una serie de acontecimientos que argumental y visualmente pertenecen al cine de horror gore, bastante feo y sobrenatural.

ANÁLISIS

Pero La sustancia no es una simple película de excelentes Fx especiales, estupenda fotografía y movimientos de cámara espectaculares, además de la soberbia edición y diseño de sonido. Ésta es una inusitada puesta en pantalla de la francesa Coraline Fargeat, directora, guionista y productora de cine fantástico, que como tal sobrepasa todos los límites y nos entrega un súper divertimento sádico-masoquista que a través del onirismo mórbido, las vueltas de tuerca y la realidad aumentada hasta la exageración y el delirio es el perfecto ejemplo del juego pirotécnico de una fábula rocambolesca que no le deja respiro al espectador durante sus 141 minutos de duración.

LA SUSTANCIA Margaret Qualley como Sue. La mujer como símbolo sexual es explotada como una simple mercancía que en cuanto deje de funcionar como fábrica de dinero será desechada sin más. ¿Les suena conocido?
© Working Title Films/ Blacksmith

El tono oscila entre el dorado cuento de hadas más fulgurante y el asombroso descenso hacia espeluznantes horrores infernales como sacados de El jardín de las delicias del Bosco, una alucinante pintura de principios del Renacimiento.

Después de aplicarse “la sustancia” el personaje principal del filme de repente sufre un desdoblamiento hacia una especie de realidad inmersiva fantasmagórica donde su alter ego de perfección física absoluta y supuestamente divinizada no es más que una ilusión materializada llena de defectos y conductas erráticas, igual que los mismísimos dioses de la mitología griega.

Las inenarrables secuencias finales del filme, alcanzan la apoteosis de la “locura” (como reza el afiche publicitario), y dejan al público atónito, lleno de sentimientos encontrados, que más bien tienden a ser de disgusto o incomodidad, y en algunos casos hasta de la risa que les provoca tanta exageración, tantos cabos sueltos, reducciones al absurdo e incoherencias “indignos” de un cine que muchos esperaban que fuera digamos “más ortodoxo”, “con más lógica” o “más serio” pues.

ANALOGÍAS

Previamente mencionado, el panel derecho del tríptico El jardín de las delicias, parece que pudo haber sido una de las fuentes de inspiración para el guión de La sustancia, cuyo objetivo también es satirizar, denunciar y asustar a través de las visiones cosmogónicas y los temores de la naturaleza humana. Tal vez sea posible incluir también El infierno (1505) del mismo Bosco, que se encuentra en la colección del Museo L’Hermitage de San Petersburgo, y cuya profusión de aterradoras visiones infernales, también se parecen a las que la película reproduce, en su propia versión claro. Pesadillas espantosas que sintetizadas aparecen en esas oscuras, celebérrimas e impresionantes obras de arte de Hieronymus Bosch (el Bosco). El jardín de las delicias se exhibe en otra de las principales pinacotecas del mundo, el Museo del Prado de Madrid.

Segunda analogía. La novela Dorian Gray de Óscar Wilde que exalta la idea de la eterna juventud con todas sus ventajas y desventajas.

Tercera analogía. La novela de horror gótico Drácula de Bram Stocker, por la vampirización que tiene que efectuar el conde para sobrevivir.

La cuarta analogía, como la primera, también proviene del ámbito religioso, y es un versículo de La Biblia: “Vanidad de vanidades, dijo el Profeta, vanidad de vanidades, todo es vanidad.” Eclesiastés 1:2

CONCLUSIÓN

Es curioso, pero a pesar de ser tan impactante y “repulsiva” no vi a nadie abandonar la sala a media película como cuando se estrenó en México El ansia de Tony Scott, allá por 1983, en el desaparecido cine “Chapultepec” o en Los infieles (Gilles Lellouche, Jean Dujardin et al., 2012) en la Casa de Arte de Cinemex.

Así que Murnau, Luis Buñuel, Dario Argento, David Lynch y David Cronenberg, por citar a algunos de los directores más inquietantes y disruptivos, seguramente palidecerían ante este rocambole visual y auditivo que es La sustancia.

Pronto volveré a verla porque después de todo, es sencillamente un pequeño y pavoroso tratado sociológico alucinante de fascinante morbo quirúrgico. Estamos ante una nueva película de culto.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

CABARET (Teatro)

 

CABARET Un musical espectacular, divertido y a la vez desgarrador con personajes y música inolvidables. (Imagen: FotoMarcH de mi programa de mano).

CABARET Basada en la obra I am a Camera adaptada del libro Adiós a Berlín que escribió a manera de diarios Christopher Isherwood en los últimos años de 1920 y principios de los 30 en los que Hitler ya gobernaba Alemania y que mediante el nazismo comenzaba a instaurar los horrores que sirvieron de catalizador para la Segunda Guerra Mundial. Ese retrato del Kit Kat Klub en Berlín, la ciudad más liberal de Europa, da como resultado uno de mis musicales favoritos, ¿y de quién no?

Fuimos al Teatro de los Insurgentes (se dice y se rumora que hay planes de demolerlo) antes de que Irene Azuela y Cassandra Sánchez Navarro tuvieran que dejar la obra.

La fenomenal Irene Azuela interpretó a Emcee, el mítico, delirante y fabuloso maestro de ceremonias más célebre del mundo del espectáculo. Sí, el mismo personaje que en la película Cabaret de Bob Fosse le dio a Joel Gray el Óscar allá por 1973, ¿se acuerdan?

La bellísima Sánchez Navarro hizo una Sally Bowles maravillosa. La obra es magnífica y apantallante por sus recursos escénicos y musicales ꟷla obertura y casi todas las canciones son verdaderos clásicosꟷ. Ya la habíamos visto hace 20 años (en 2004 y allí mismo) con una Itati muy joven y muy lucidora. En cambio en esa misma primera temporada Luis Roberto Guzmán muy guapo muy guapo pero nada que ver, porque él como Emcee estaba más tieso que un bolillo de hace 8 días, en una palabra: ¡Fatal!

Es algo formidable que en la CdMx tengamos el privilegio de ver este tipo de obras musicales clásicas que en muchas ocasiones están puestas de manera más excelsa que en Broadway o en el West End de Londres. En este 2024 Cabaret tiene una producción bastante más espectacular, de todo a todo, que la de hace 2 décadas. Prueba de ello fue que presenciamos otra vez una ovación de pie de ese público mexicano tan conocedor y sofisticado para esta singular Cabaret. 

CABARET (2004) Aquella puesta fue excelente en su momento. Es difícil creer que ya pasaron 20 años y que Itati Cantoral regresa otra vez a personificar a Sally Bowles. ¡Mm...! 
(Imagen: FotoMarcH de mis antiguos programas de mano).

Si podemos ya iremos a ver si la Cantoral, y quien haga a ese "bombón" grandioso del “maestro de ceremonias”, también logran obtener el éxito de esas 2 reinas escénicas que vimos hace 2 semanas. La vara quedó demasiado alta…


Sin embargo, yo creo que lo harán muy bien, porque después de todo Itati tiene mucho nombre, muchas tablas y continúa siendo muy hermosa. Además, la obra en sí misma es la estrella y el teatro que se hace en la Ciudad de México es absolutamente sensacional porque en nuestro medio artístico existe una gran tradición teatral y abunda el talento.

¡Arriba el telón...!

MarcH de Teatro

CASI EL PARAÍSO

CASI EL PARAÍSO ¿Qué pasa cuando los simuladores y los mentirosos son desenmascarados por un impostor...? © Film Tank/ Interlinea Films/ Cinépolis

 

CASI EL PARAÍSO (México, Italia, EE.UU., 2024, Dir. Edgar San Juan).

La película está basada en la novela homónima de Luis Spota (publicada en 1956), aunque el argumento está ligeramente modificado para actualizarlo y poder ubicar la acción en los tiempos presentes. Eso lo vuelve mucho más atractivo para el público, sobre todo para los jóvenes y adultos de esta era digital, de redes sociales e influencers que no sabían de la existencia de Spota ni del libro y mucho menos de su secuela Paraíso 25.


ANÁLISIS

La historia es una exquisita y ultra sofisticada comedia satírica que expone muy eficazmente la naturaleza e idiosincrasia de los mexicanos, resaltando lo mejor, pero también lo peor de nuestro Ser.

Según el relato la clase política, con toda su influencia, su poder y dinero, es la más proclive a caer en los excesos y en las debilidades humanas, que en este caso llegan hasta los límites del absurdo y a los extremos ámbitos de lo proscrito. ¿Será posible...?

Todo comienza en una pequeña ciudad portuaria italiana, donde un sencillo y atractivo joven está enamorado de una escultural ojiverde que le enseña castellano. La trama, llena de eventos inesperados, a la postre lo llevará hasta México, un país que en sus propias palabras es: “Casi el paraíso”. Tal sentencia es una figura retórica que alude ꟷsin querer queriendoꟷ a una gran ironía: la de las enormes diferencias sociales, económicas y, por supuesto, a la inenarrable astucia e hipocresía de la clase política de ese México del “esplendor”. La crítica es demoledora.

FACTURA TÉCNICA

Casi todas las locaciones son de verdadero ensueño, de ello da cuenta una excelente cinematografía con tomas y movimientos de cámara que van desde las grandes panorámicas hasta los planos detalle. La banda sonora y el soundtrack son una maravilla, pues enmarcan perfectamente cada secuencia que en muchos casos “salta en el tiempo” con esa notable edición de los innumerables flash-backs. La dirección de arte y el vestuario también son sencillamente magníficos.

En un mundo lleno de glamour y de bluff nada es lo que parece, todo es un interminable juego de simulaciones, pretensiones y ambición. Sin embargo, Spota, logró capturar en su novela lo que después Carlos Fuentes, por cierto no muy disimuladamente, también escribió en La región más transparente sobre el jet-set, las clases privilegiadas y los wanna’ be. Puede que sea mera coincidencia, pero hay personajes tan parecidos en ambas novelas que después de todo sería una coincidencia que no hubiera coincidencias… Fenómenos de la literatura de todos los grandes (y también de los pequeños) escritores de todos los tiempos.

DEL TALENTO ARTÍSTICO

El experimentado guionista, productor y director mexicano Edgar San Juan, puso, entre otras cosas, un especial énfasis en la dirección de actores. Como resultado el desempeño de todos, pero de todos, sin excepción, los convirtió en el reparto perfecto. Por supuesto, algunos nos deslumbran mucho más por su gran desempeño histriónico, lo cual indudablemente los llevará a las próximas nominaciones de los premios cinematográficos del 2025.

CASI EL PARAÍSO Miguel Rodarte como el político "Alonso Rondia". © Film Tank/ Interlinea Films/ Cinépolis

No es una exageración, pero Miguel Rodarte, que nos apantalló desde El tigre de Santa Julia (Alejandro Gamboa, 2002) y que nos hizo reír y gozar mucho con Macho (Antonio Serrano, 2016), entre otras películas, es todo un dios cinematográfico de grandes e increíbles registros histriónicos, pues ha hecho del pretencioso y ambicioso político “Alonso Rondia” un personaje absolutamente portentoso.

Si abundamos en el reparto encontramos a Katie Barbieri en un pequeño papel, el de “Liz Avrell”, que ella hace enorme con su talento. 

CASI EL PARAÍSO Karol Sevilla como "Teresa Rondia". © Film Tank/ Interlinea Films/ Cinépolis

La “dama joven”, Karol Sevilla, es todo un acontecimiento que hace de su “Teresa” alguien inolvidable y lleno de una magia parecida a la que alguna vez tuvo la inolvidable Maritza Olivares en Tres mujeres en la hoguera (Abel Salazar, 1976). Una mención especial es para Mauricio Lombardi que hace un entrañable conde “Francesco de Astis”. Finalmente, los protagonistas: Esmeralda Pimentel como “Frida Becker” y Andrea Arcangeli como “Amadeo Padula”, hacen gala de su increíble fotogenia, carisma, encanto, profesionalismo y absoluta entrega al actuar de manera perfecta, ¡y en otro idioma! Ya verán porqué… 

CASI EL PARAÍSO Andrea Arcangeli como Amadeo Padula. © Film Tank/ Interlinea Films/ Cinépolis

CASI EL PARAÍSO Esmeralda Pimentel como Frida Becker. © Film Tank/ Interlinea Films/ Cinépolis

Para concluir diremos que Casi el paraíso es una coproducción internacional, pero mayormente mexicana, de altísimos vuelos; tanto, que rebasó nuestras expectativas de gran manera y que la volvimos a ver por segunda ocasión, de veras,  con enorme deleite. Porque es casi inverosímil, pero muy reconfortante, que una película comercial mexicana haya logrado ser una obra maestra digna de grandes festivales. Seguramente Luis Spota estaría muy agradecido y fascinado con este logro.

Nuestro deseo, que tal vez sea una gran fantasía, sería ver después en pantalla la segunda parte: Paraíso 25, que es un libro igual de fascinante.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

INSTINTOS ASESINOS

INSTINTOS ASESINOS Es imposible dejar de ir a ver un filme estelarizado por semejantes actrices. El instinto no miente…           
© Freckle Films/ Versus Production/ Studio Canal/ Neon/ Amazon MGM Studios

 

INSTINTOS ASESINOS/ MOTHER´S INSTINCT (EE.UU., 2024. Dir. Bennoit Delhomme).
¿La Hathaway o la Chastain?, ¿la Chastain o la Hathaway? Ambas además de ser súper estrellas son 2 señoras actrices, de Óscar y todo. Sus cualidades histriónicas son de indiscutible magnificencia. Sólo de ver sus nombres en la cartelera sin dudarlo corrí a ver su filme porque admiro a las dos desde que las vi en pantalla por primera vez.

SINOPSIS

Dos amas de casa y madres de dos niños, Theo y Max de seis años, son la personificación de la perfecta ama de casa de cualquier suburbio de gran ciudad estadounidense: Alice (Chastain) es la megarubia a lo Grace Kelly, elegante y muy sobria, y Céline (Hathaway) es la sofisticada castaña a lo Jackie Kennedy. Estas jóvenes mujeres son vecinas  además de muy buenas amigas. Un día el hijo de una de ellas sufre un accidente fatal. A partir de ahí surge entre ambas la pérdida de la confianza y un remolino de sentimientos extraños, inusitados y de alto voltaje. El título en inglés es Instinto de madre, pero en castellano latino la intitularon como Instintos asesinos (¡no bueno…!), con lo cual venden totalmente la trama; así funcionan las distribuidoras hispanoamericanas…


ANÁLISIS

Los filmes del género “suspenso psicológico” son sumamente atractivos, pues el suspenso  in crescendo y el “júdonit” (Who done it?) usualmente nos mantienen al borde de la butaca. Ésta no es la excepción, pues el planteamiento de la situación inicial está llena de la bonanza de unos personajes que son el epítome de la vida feliz, un retrato inmaculado del estilo “sueño americano” de la clase media. Sin embargo, una tragedia inesperada cambiará el tono de la historia. El profundo duelo de las familias se convertirá en un juego de sospechas perversas, resentimientos, más bien rencores, protagonizados por un par de señoras que ven cimbrado su mundo y que harán todo lo posible por evitar el derrumbe final de ese mágico ensueño en el que vivían.

Una vez más asistimos a una arena, donde Chastain y Hathaway se enfrentan a un duelo de actuaciones verdaderamente magistral, en el cual no hay a cuál irle…

Basada en la novela de Barbara Abel (publicada en 2012) esta puesta en pantalla cuenta con una excelente dirección de actores, cinematografía y edición, la banda sonora es impresionante. La dirección de arte juega un papel extraordinario, pues se ubica en los primeros años de 1960, en los que el estilo, las buenas maneras, la gentileza y el buen gusto todavía se manifestaban de gran manera en un mundo que rebozaba confort, aunque pronto colapsaría estrepitosamente con el asesinato del presidente Kennedy, la guerra de Vietnam, la revolución sexual y el desencanto de una juventud cuya visión del futuro no prometía nada bueno. Sin embargo, la anécdota de esta excelente película es que en un mundo así, de futuro incierto, lo único que puede salvar a los niños que habitarán en semejante caos es el instinto y el amor de una madre, a pesar de que ésta sea una letal asesina. ¿Qué tal eh…?

Tal vez estas fabulosas actrices, Anne Hathaway y Jessica Chastain, bien pudieran ser nominadas al Óscar, otra vez, gracias a su magistral interpretación de dos seres destruidos por una de las pérdidas más devastadoras que una madre pueda experimentar.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

LOS HERMANOS KARAMAZOV

 

LOS HERMANOS KARAMAZOV La versión cinematográfica de la última y más grandiosa novela de Dostoyevsky. © Metro-Goldwyn-Mayer

LOS HERMANOS KARAMAZOV (The Brothers Karamazov, EE.UU., 1958. Dir. Richard Brooks).

Marilyn una vez les dijo a los periodistas que ella quería filmar Los hermanos Karamazov, y como casi siempre, algunos se rieron con sorna, entonces ella acotó: “Bueno, no quiero hacer precisamente a los hermanos, sino a Grushenka, una chica”. Seguramente los periodistas no sabían de qué hablaba y mucho menos habían leído a Dostoyevsky.

Los hermanos Karamazov de Fiódor Dostoyevsky es una de las obras cumbre de la literatura universal que hay que leer por lo menos una vez en la vida.

Hace poco revisitamos el filme, dirigido por Richard Brooks, estrenado en 1958 y, como la novela misma en la que está basado, es francamente hermosa. Ya sabemos que las versiones cinematográficas de obras literarias suelen quedarse cortas y dejar mucho fuera del guión, lo cual es lógico, pues nada se puede comparar con la vastísima experiencia de la lectura. Sin embargo, hay que darle crédito a los productores que se preocupan por llevar al gran público las obras de arte que los escritores de todos los tiempos le han regalado al mundo.

Es un gozo si lo que ya hayamos leído, o estamos por leer, podamos verlo sintetizado en el cine, porque después de todo, el cine también es un arte.

Marilyn, que pertenecía a la 20th Century Fox, no hizo a Grushenka, porque la película la produjo la Metro-Goldwyn-Mayer. Para ese papel contrataron a otra rubia increíble: María Schell, una bella chica austríaca de la misma edad que la Monroe, quien finalmente interpretó a una Grushenka deliciosa. En las primeras secuencias en las que aparece Schell/ Grushenka es muy difícil no evocar a Marilyn, pero es absolutamente imposible no hacerlo cuando la vemos bailar alegre y delirante, casi en éxtasis, en la escena de la taberna. Ésa es una de las escenas más electrizantes y sexuales de la historia del cine. La sensualidad que emana de esa bellísima criatura la convierte en un verdadero sueño erótico.

Sinceramente creemos que María Schell sabía muy bien que tenía entre sus manos el papel que la bomba sexy más fabulosa del cine había anhelado y que era forzoso que ella estuviera a la altura de la increíble femme-fatale-de-inocencia-infantil que eran tanto Grushenka como Marilyn: “Es ahora o nunca” lo que suponemos que pensó… y entonces se convirtió en Marilyn/ Grusheka. 

Se dice que en los postreros tiempos de la humanidad las mujeres rubias van a desaparecer, por cuestiones meramente genéticas. ¿Será por éso que dentro del inconsciente colectivo se valora tanto a las mujeres con cabellera blonda? La industria del peróxido y los tintes de tonos “rubios” es uno de los negocios más lucrativos y grandes de la industria cosmética. ¡Por supuesto!, porque la belleza es un valor y en el cine las rubias guapas cotizan más. 

Pero la belleza se encuentra en todos lados dirán, está en la naturaleza, en la cultura y por supuesto en el arte. El arte es la máxima representación de la belleza creada por el hombre. Tan es así que lo bello solamente es lo bello, luego entonces las criaturas “bellas” son admiradas, deseadas y adoradas; y si además tienen talento de seguro serán elevadas a la apoteosis de los dioses.

Es un privilegio poder leer a Dostoyevsky, es un privilegio ver cómo lo interpretaron otros artistas para el celuloide y si en ese pequeño gran momento pensamos en Marilyn —que estaba allí sin estar— el gozo estético se eleva hasta los confines que la sensibilidad nos permita. El límite es nuestra mente…

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

UN LUGAR EN SILENCIO: DÍA UNO

 

UN LUGAR EN SILENCIO: DÍA UNO El origen de la horrenda invasión alienígena que amenaza a la humanidad en un filme espectacular. © Platinum Dunes/ Sunday Night Productions/ Paramount Pictures

UN LUGAR EN SILENCIO: DÍA UNO/ A QUIET PLACE: DAY ONE (EE.UU., 2024. Dir. Michael Sarnoski).

La bellísima y talentosa Lupita Nyong’o, una actriz ya oscareada (por 12 años de esclavitud, 2013), aquí ofrece otra vez una actuación verdaderamente fuera de serie en un papel entrañable en el que está soberbia. El coprotagonista, Joseph Quinn, como "Eric", el británico con ataques de pánico, que llegó a Nueva York en pos del “sueño americano”, también está de aplauso. Sin embargo, hay otro personaje ꟷno les diré cualꟷ que se roba todas las escenas en las que participa.


A pesar de que el tema es fantástico y muy estridente (como debe ser el género de horror apocalíptico), el tono, cuando no aparecen los monstruos por supuesto, es absolutamente contenido y muy sobrio, con Fx, diseño de sonido y de arte muy notables. El argumento es muy inusitado y la dirección está excelente. El ritmo de la historia se desliza tan suavemente de una secuencia a otra (por la buena edición) que cuando menos se espera llega a su impactante final. Esta producción es un espectacular divertimento de verano sobre el amor y la solidaridad en medio de la destrucción que no hay que perderse.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

EL CLUB DE LOS VÁNDALOS

EL CLUB DE LOS VÁNDALOS La adicción a la adrenalina del motociclismo de los “vándalos” ꟷa lo Brando y a lo Deanꟷ, que en realidad ni lo eran tanto. © Buena Vista International/ Regency/ Walt Disney Studios Motion Pictures

EL CLUB DE LOS VÁNDALOS/ THE BIKERIDERS (EE.UU., 2023. Dir. Jeff Nichols).
Desde que Marlon Brando volvió icónica la figura del rebelde en moto ꟷen su fabulosa motocicleta Triumph Thunderbird 6Tꟷ con la mítica película El salvaje/ The Wild One (Lázló Benedek, 1953) la subcultura de la motoneta se volvió viral, sobre todo para la juventud desencantada deseosa de ir en contra de lo establecido en los tiempos de la posguerra. Después llegó James Dean, que terminó de “sellar” ese estilo dándole ese toque de resplandor dorado.

Pero las cosas cambiaron y los “años dorados” de los 50 se fueron para siempre. Hay otros títulos que retomaron la figura de esos tipos rudos y motorizados, la más famosa de todas que recordemos fue Nacidos para perder/ The Born Losers (Tom Laughlin, 1967) que va más allá de la “inocente rebeldía” porque más bien ya raya en el ámbito de lo proscrito y lo delincuencial. El tema musical fue un hit inolvidable.

Con una dirección de arte y vestuario fabulosos, y ubicada en los años de 1960, El club de los vándalos es un nostálgico homenaje al estilo de vida los tipos motorizados y sus códigos de “hermandad”.

No hay en el argumento un arco dramático como tal, tan sólo es una crónica de las vidas de Benny (Austin Butler) y de Johnny (Tom Hardy), el líder del club de los “Vandals”, sus aventuras, sus lealtades y su peculiar forma de vivir la vida. Todo narrado por Kathy (Jodie Comer) la novia del indómito Benny (una especie de James Dean postmoderno).

El filme es un absoluto atractivo sonoro y visual, pues Austin y Hardy, ambos muy galanes altamente posicionados en Hollywood, aunque muy opuestos entre sí, tienen algo en común: los labios más sexies del cine. Ellos, bajo una muy buena dirección de actores, hacen de la historia un asunto muy interesante. Los actores de reparto también están muy bien en sus papeles. Todo enmarcado en el desolador panorama de un país que comenzaba a perder el rumbo por el descontento social, las miserias que llegaron después del asesinato de John F. Kennedy y la guerra de Vietnam.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

QUERELLE

 

QUERELLE: UN PACTO CON EL DIABLO La historia de un ángel de maldad que usa su atractivo sexual para conseguir todo lo que quiere… © Planet Film (Munich)/ Gaumont Film Company

QUERELLE (Alemania, Francia, 1982. Dir. Rainer Werner Fassbinder).
Adaptación de la novela Querelle de Brest de Jean Genet (1947), un autor provocativo y abiertamente homosexual que llevó a la literatura muchas de sus vivencias en una época en que semejante atrevimiento era por demás transgresor. Por cierto, también les recomiendo su libro Nuestra señora de las flores (1942), donde retrata el mundo proscrito e inusitadamente queer de París con varias décadas de adelanto.


SINOPSIS

El marinero Querelle (Brad Davis) es una especie de "Dorian Gray" por su belleza, astucia, apetito sexual y por su inocente maldad. Justo al desembarcar en el puerto de Brest seduce por igual a Lysiane (Jeanne Moreau), la vieja madame del burdel "Feria" donde ella canta desencantada: “Todos los hombres destruyen lo que aman”; al exótico cantinero Nono ꟷque es el marido de Lysianeꟷ, al policía y a otros más (no van a creer también a quien y que es un personaje clave de la historia) e inclusive, y desde siempre, al mismísimo teniente Seblon (Franco Nero) quien al mando de la tripulación del barco "Vengeur" no puede evitar estallar de deseo, de pasión y de poesía por el más hermoso y letal de sus marinos. ¡Qué escándalo...!


ANÁLISIS

Nosotros vimos la película allá por 1983 en Los Ángeles, en el Cineplex de Beverly Hills, y por aquello de la censura supusimos que no la estrenarían en México, pero afortunada y finalmente sí fue exhibida y la vimos de nuevo, aunque no recordamos en qué cine, tal vez fuera en la Cineteca Nacional, para variar.

El apuesto Brad Davis ya era bastante famoso por sus previos y muy exitosos filmes: Expreso de media noche (Alan Parker, 1978) y Carros de fuego (Hugh Hudson, 1981), pero Fassbinder con Querelle lo catapultó para siempre como el nuevo objeto de deseo homoerótico: la nueva bomba homosexual del "cine de culto" de  los años 80 y más. El afiche publicitario o cartel no puede ser más sugestivo… y todavía a 42 años de su estreno continúa siendo uno de los mejores del cine de todos los tiempos.

Era la época de Su otro amor (Arthur Hiller, 1982) y de Víctor Victoria (Blake Edwards, 1982) que eran de lo más "atrevido" y nunca antes visto en la gran pantalla por su especial temática LGBTQ+ ꟷpor decirlo en las siglas actualesꟷ, pero lindas y suavecitas; y sí, claro que como éxitos de taquilla causaban sensación. Sin embargo, y al mismo tiempo, el genial Fassbinder, que era, y es, uno de los cineastas más talentosos y célebres del mundo, fue muchísimo más allá de lo permitido e hizo, sin proponérselo que aquellas cintas comparativamente quedaran reducidas a la categoría de lo que para él (y para nosotros los criticones, que no críticos) serían filmes de fórmula, complacientes, harto ñoños, ridículos y bastante heteronormados, pues con la superlativa Querelle, su última película ꟷque es considerada la mejor de toda su filmografía y todo un clásico del cineꟷ, se voló la barda de forma por demás innovadora y espectacular, dejando al público y a la crítica especializada de boca seca, casi en shock, si es que la pudieron "aguantar" hasta el final. Éso es el "cine de autor".  

QUERELLE Franco Nero como el teniente Seblon en la última y mejor película de Fassbinder. ©Planet Film (Munich)/ Gaumont Film Company

La puesta en pantalla de Querelle aprovecha al máximo a su increíble reparto, el soundtrack, la estética del vestuario y la dirección de arte, todo alrededor de escenarios como de una obra de teatro de sencillos decorados pero de gran funcionalidad y belleza plástica. Luego entonces, la exquisita fotografía se encuentra en el punto medio entre el surrealismo y el impresionismo alemán del cine de Murnau, con ciertos tintes góticos, pero a colores, predominantemente en tonos ámbar; como si todos los personajes estuvieran suspendidos en su propia cápsula del tiempo y de su Ser ineludible,  cristalizados en la semipreciosa piedra transparente de sus "tremendas" vivencias ¡a la vista de todos!


El tono es el de una escandalosa y fabulosa fantasía erótica que va develando poco a poco esa irrefrenable tensión sexual, más bien homosexual, que escuece la mente y las zonas genitales de todos los personajes, en ocasiones de manera bastante explícita. Por otro lado, el ritmo es suave y uniforme, como los latidos del corazón imperturbable del joven Querelle, que jamás se sale de control bajo ninguna circunstancia (por éso nos recordó tanto al protagonista de Dorian Gray de Óscar Wilde).

CONCLUSIÓN

Sorprendentemente y contra todo lo esperado, Querelle es una antitragedia sicalíptica. En realidad es la máxima elegía jamás filmada en la que lo celeste y lo infernal se funden para crear, y hacer una apología cinematográfica de la naturaleza divina y satánica de los seres que pueblan esta magna síntesis del universo de Jean Genet, de Fassbinder, de Tom of Finland y de todas esas fascinantes criaturas que se atreven a todo porque están mucho más allá del bien y del mal... ¡Amén!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

INMACULADA

 

INMACULADA Una novicia se enfrenta a las fuerzas del mal en un convento lleno de misterios y secretos. © Black Bear Pictures / Neon / Fórum Hungary

INMACULADA / IMMACULATE (EE.UU., Italia. 2024. Dir. Michael Mohan).

Como ya sabemos, desde el Bebé de Rosemary (Roman Polansky, 1968), El exorcista (William Fredkin, 1973) y La profecía (Richard Donner, 1976) el tema de las mujeres poseídas y a veces hasta embarazadas por el Demonio ꟷque será una especie de Anticristoꟷ, el tema ha sido muy explotado. Hay inclusive una interesante producción italiana de aquellos años intitulada El Anticristo (Alberto de Martino, 1978) bastante fallida, por cierto, pues de veras que por mucho que la protagonista Carla Gravina (con su corte de pelo a la “Me volví loca”) se esforzara mucho, sus gestos y muecas eran de risa loca, por tal resultó más divertida que de sustos.

Así entre buenas, malas y pésimas el cine no ha dejado de producir estas películas del muy gustado género de horror demoníaco. Hay incontables ejemplos de ello de todas las nacionalidades, una de las mejores filmada en México es El habitante (Guillermo Amoedo, 2017); que vista en pantalla fue bastante buena e impresionante…

Entre este perenne maremágnum llega Inmaculada; y las expectativas no fueron diferentes que las que tuvimos hace varias semanas cuando fuimos a ver La primera profecía (Arkasha Stevenson, 2024) reseñada aquí en abril.

Otra vez chica linda llega a un convento en Italia para tomar sus votos y hacerse novicia. La bienvenida no puede ser más festiva ꟷhasta con copa de Chiantiꟷ, el lugar está lleno de otras novicias, de monjas devotas y trabajadoras; por supuesto también están la Madre Superiora, Su Eminencia y un guapo Reverendo que es la mar de gentil y muy atento con la recién llegada. El ambiente es de total ensueño y los cantos del coro son bellísimos.

Pero al pasar de los días nada es lo que parece. Comienzan los sueños, las alucinaciones y la aparición de horripilantes espectros, la pobre “Hermana Cecilia” está toda confundida y su amiga, que fuma a escondidas como Tallulah Bankhead, le explica que parte del asunto es atender a las monjas ancianas que pronto morirán…

Así a la dulce cotidianeidad se incorpora un poco (o un mucho) lo inusitado, lo desconocido, lo misterioso y bueno… de repente la gran sorpresa que es la razón principal de semejantes horrores.

El argumento, dentro de lo previsible, es sorprendente, si logró asustarnos y, sobre todo, no es hilarante. Porque las cuestiones mágico-religiosas se imbrican con otro ámbito que no les voy a decir. Mejor déjense sorprender por esta película, que aunque exagerada e inverosímil ꟷcomo bien corresponde al géneroꟷ es de gran ritmo y belleza: La fotografía en una gran locación, su banda sonora, la dirección de arte, vestuario, actuaciones y dirección.

El final, el gran final, abre una puerta a la gran interrogante que la humanidad se ha planteado desde siempre: ¿Cuáles son los límites entre el bien y el mal…?

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado           

DÍAS PERFECTOS

DÍAS PERFECTOS Una de las mejores películas del 2023, que incluye a su director y a su protagonista en nominaciones y premios. © Master Mind Limited / Wim Wenders Productions / Circo Film

DÍAS PERFECTOS / PERFECT DAYS (Japón-Alemania, 2023. Dir. Wim Wenders).

Éso de “limpiar baños” siempre ha sido considerado una actividad bastante “desagradable”. Los más “nice” dirían que es de lo último en la escala laboral,  “really disgusting”, inclusive hasta para quien lo tenga que hacer en su propia casa. Pero la cosa cambia mucho cuando “éso” es en realidad un oficio. ¿Quién quiere limpiar excusados y urinales? No obstante, la cuestión tiene varios niveles, porque no es lo mismo limpiar los excusados o letrinas de una cantina, o de la central camionera, que limpiar los W.C. públicos de una ciudad como Tokio.

Hasta los temas más escatológicos en manos de un artista pueden cambiar totalmente de perspectiva. Así, Wim Wenders como coguionista y director de esta película, logra hacer que cada secuencia de limpieza a cargo de “Hirayama” (Koji Yakusho), el encargado del aseo de los baños, se vuelva casi un ritual de la higiene, una cátedra casi coreografiada de lo que la cultura de la responsabilidad, la pulcritud y el amor al trabajo que se impone en ciertas culturas. Sobra decir que Mr. Yakusho fue galardonado con la Palma de Oro al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes.

Con un muy reducido reparto, es notable ver como el noble trabajador se relaciona con unos personajes cuya psicología está perfectamente delineada y que definen todavía más su propio “Estar en el mundo”.

Es un verdadero deleite ver la excelente factura técnica de esta producción. Ya sabemos: fotografía, edición, dirección de arte, vestuario, banda sonora, etc. 

Poblado su universo de papel de baño, guantes, detergentes y líquidos sanitizantes, pero también de literatura, música y de fotografía, el señor “Hirayama”, es paradójicamente todo menos un hombre "simple". Pues él, contra todo pronóstico y en toda su rutinaria sencillez ꟷa pesar de vivir en una de las metrópolis más grandes, modernas y sofisticadas que hayꟷ, ha logrado obtener la fórmula para equilibrar su mundo y poder construir, y sobre todo vivir a plenitud, esos “días perfectos” que la gran mayoría persigue infructuosamente. Porque: "No es más feliz el que más tiene, sino el que menos necesita".

Este delicado, profundo y entrañable filme de estilo “Zen” fue nominado a lo mejor del cine extranjero en la ceremonia de los Óscares más reciente. La maestría de Wenders y la potencia histriónica del protagonista quedan de manifiesto, y perfectamente selladas, en la secuencia final, que es un verdadero postulado filosófico, una obra maestra de la más alta poiesis que hayamos visto jamás en pantalla.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

UN ACTOR MALO

 

UN ACTOR MALO Es un filme extraordinariamente inteligente y muy actual; no sabemos porqué tan sólo duró 2 semanas en los cines. Tuvimos que ir a verla en la Cineteca Nacional de las Artes.              © Catatonia Cine / Cinépolis

UN ACTOR MALO (México, 2023. Dir. Jorge Cuchí). Muchos años después de la filmación del exitosísimo filme franco-italiano El último tango en París (Bernardo Bertolucci, 1972 ) ꟷque nos dejó spechless cuando todavía chamacos la vimos en 1973 en la antigua Cineteca Nacional de los Estudios Churubuscoꟷ, la actriz protagónica, Maria Schneider, declaró que había sido víctima de abuso sexual durante el rodaje de una impactante escena íntima con Marlon Brando. De hecho, la famosa escena de “la mantequilla”, como se le conoce desde entonces, es una de las más terribles que se hayan filmado jamás ꟷhasta que llegó Irreversible (2002) de Gaspar Noéꟷ. La sex symbol Schenider dijo que “todo” había sido idea del director para lograr mayor “realismo”. Si acaso alguien leyó o supo de tal entrevista en 2007, a nadie le importó. Eran “otros tiempos”. 

En la película de Cuchí se retrata algo bastante parecido, y a diferencia de lo relatado en aquel entonces por la Schneider aquí la cosa cambia diametralmente, porque éstos sí que son “otros tiempos”.

La joven “Sandra”, una actriz cinematográfica, dice después del corte de una escena de intimidad en la cama con su compañero, que éste “se pasó” de veras…

Entre dimes y diretes y entre que “sí” y que “no”, porque el actor “Daniel” (el magnífico Alfonso Dosal) lo niega rotundamente, pasan varias secuencias nodales muy interesantes que elevan la tensión aceleradamente. Porque de un simple chisme el asunto pasa a ser de suma importancia y todos los involucrados en la producción se verán afectados. Además, el incidente comienza a tener tintes legales...   

El punto de vista sobre el caso es bastante difuso y ambivalente, porque no sabemos a quién de los 2 creerle. El ritmo es bastante uniforme. El tono es muy denso, como de comedia de humor negro; pero nada está de más ni de menos. Si el espectador es mujer se va a identificar, lógicamente con la chica (Fiona Palomo, extraordinaria); si como nosotros, es hombre, a quien le creeremos será al varón, por supuesto.

A partir de la segunda mitad, cuando el conflicto llega al cénit, aquello se vuelve un maremágnum de secuencias altamente impactantes, perfectamente orquestadas, tanto que nos hielan la sangre. Hasta nos parece tan familiar como un noticiario de los que vemos en la tele cotidianamente.

De perfecta factura técnica, el final de Un actor malo nos quitó el aliento, porque es verdaderamente brutal, inenarrable, una de las películas más híper realistas que se hayan filmado jamás a nivel mundial. Es muy probable que las próximas Diosas de Plata, los Arieles (y otros premios internacionales) irán a parar a manos de sus productores, de su director (que también es el autor del guión) y sus protagonistas (y coprotagonistas), pues todos ellos nos han brindado una de las mejores películas mexicanas de todos los tiempos. Es una maravilla que el cine nacional siga siendo, contra todo, una fuente inagotable de artistas de gran inteligencia y talento. ¡Bravo…!

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado

LA MAMÁ Y LA PUTA

 

LA MAMÁ Y LA PUTA Un profundo estudio sobre el erotismo chic y très sophistiqué de los ángeles del sexo. © Elite Films/ Les Films du Losange/ Ciné Quanon/ Simar films/ Mirada Distribution

LA MAMÁ Y LA PUTA / LA MAMAN ET LA PUTAIN (Francia, 1973. Dir. Jean Eustache).

Los niños bonitos y mimados (y también los feos e ignorados), pueden desarrollar ya de adultos el complejo de Edipo que tanto estudió Freud, entre muchos otros bastante menos aparatosos. Cuando escriben un guión tan avasallador los cineastas pueden hacer de ello un fracaso o un éxito. Pero si el director es un artista, como lo era Eustache, y además lleva en la producción a ese monstruo sagrado llamado Jean-Pierre Léaud, que dejó al mundo boquiabierto desde su debut en Los 400 golpes (François Truffat, 1959), el asunto se pone bastante menos difícil. Sí además en el reparto lo acompañan las inenarrables Françoise Lebrun y Bernadette Lafont eso se vuelve una bomba.

La mamá y la puta en realidad es éso: una bomba atómica que "apantalló" a todos en Cannes y escandalizó porque diseccionó los prejuicios de la sexualidad para destruirlos después. Aun hoy día, resulta absolutamente reveladora, profunda, interesante e inusitada. En pocas palabras, esta película es escandalosamente genial. La Cineteca Nacional de Xoco (en la CdMx) la programó ya 2 veces este año, porque es una de las mejores películas, no sólo del cine francés sino mundial.

Filme de culto que retrata las puertas de la percepción a los nuevos tipos de la cosmovisión de principios de los años de 1970 en una capital europea como París, gran epicentro de la postmodernidad sofisticada, que retrata en gran medida la liberación sexual de una juventud híper liberal, irreverente, iconoclasta y a veces hasta desenfrenada.

Estamos frente a un profundo estudio sobre el nihilismo existencial en el que se rompieron las pocas barreras del statu quo, que quedaban aquí y allá, remanentes de la postguerra que había implantado un nuevo estado ꟷrepresivo, de fuertes temores y ansiedades socialesꟷ que muy pronto experimentaría el génesis de la nueva moral, de libertad sexual ꟷgracias a la píldora anticonceptivaꟷ, las drogas psicodélicas y los movimientos sociales de protesta ante el autoritarismo y la rigidez de los cánones establecidos. Todo ese crisol de búsquedas personales en conjunto lograron ir destruyendo la alienación de las juventudes para dar entrada a una nueva y desconocida era de angustia y desesperación por la recuperación del Ser, disfrazada de hedonismo, después de todo.

Envueltos en una perenne nube de humo, la bella música y el licor estimulaban los monólogos de los personajes centrales en los que se cuestionan el sentido de la vida: ¿Qué son el amor y la libertad, dónde comienzan, dónde terminan y porqué…?

El mayor problema, y el único, del bello y despreocupado Alexandre (Léaud) es seducir a las chicas en los cafés de los bulevares parisinos. Un día conoce a una joven enigmática de rara belleza que va a representar un gran reto… sobre todo porque ella es la versión femenina de él mismo. Así que se verá enfrentado a un dilema ¿dejarla y pasar a la siguiente presa o seguir cortejándola a pesar de que nada es lo que parece? Tal vez ella lo conduzca al infierno, o al cielo...

La construcción de la psicología de los personajes es verdaderamente asombrosa y los 3 protagonistas no podrán haberla representado mejor. El director, Jean Eustache, así natural y sin pretensiones, pero exageradamente riguroso en la dirección de actores, le regaló al mundo una obra maestra. Ésto señores sí es cine de arte desde donde se le vea, y arte con “A” mayúscula.

¡Corte y queda…!

MarcH de Malcriado